Сёнэн нового поколения

Сёнэн нового поколения

«Магическая битва» (или «Jujutsu Kaisen») авторства Геге Акутами стала самой продаваемой мангой1 в Японии в 2021 году. Компания по издательству азиатского медиаконтента в Америке Crunchyroll отметила, что известность «Jujutsu Kaisen» впечатляет, учитывая, что манга начала выходить в печать только в марте 2018 года. Для сравнения: в этом году японский комикс «One piece» занял шестое место по продажам, хотя выходит он с 1997 года. Журналисты и фанаты уже окрестили «Магическую битву» сёнэном нового поколения.

Официальный постер аниме «Магическая битва», 2020
Официальный постер аниме «Магическая битва», 2020
Что такое сёнэн?
Обложка первого номера журнала Shonen Magazine, 1959 год
Обложка первого номера журнала Shonen Magazine, 1959 год

С 1980-х годов в японской популярной культуре были введены разграничения целевой аудитории по возрасту и полу. Изначально сёнэн — это аниме2 и манги, целевая аудитория которых — юноши от 12 до 18 лет. Сёнэн стал полноценным жанром из-за того, что в подходящих под критерии произведениях начали использоваться одни и те же архетипы3 и приёмы. Обозреватель манги Чинги Неа писал, что основоположником жанра стал Акира Торияма. Его манга «Жемчуг дракона» выпускалась с 1984 по 1995 год. Сон Гоку, главный герой произведения, не имеет ни друзей, ни родственников, но однажды встречает девушку по имени Бульма. Она ищет «Шары Дракона» — волшебные предметы, которые исполняют желания. После этого знакомства главный герой участвует в разных событиях, во время которых находит новых друзей. В истории также появляются злодеи, которые хотят воспользоваться драконьим жемчугом и разрушить мир. Чтобы их остановить и спасти планету, главные герои старательно тренируются.

Здесь можно увидеть зарождение основных признаков жанра сёнэн: парень-протагонист, быстрое развитие и динамичность сюжета, темы дружбы, спасения мира и преодоления себя. Герой храбр, заботится о товарищах, никогда не сдается и имеет огромную силу (физическую или магическую).

Сон Гоку и Бульма: кадр из сериала «Жемчуг дракона», 1986
Сон Гоку и Бульма: кадр из сериала «Жемчуг дракона», 1986

За последние четыре десятилетия жанр не претерпел больших изменений — архетипы и темы остались прежними. По мнению Чинги Неа, это происходит из-за политики редакций журналов, которые публикуют сёнэн-манги. Произведения выходят по одной главе в еженедельных журналах. Продолжительность публикаций и прибыль автора зависят от популярности манги у читателей. Чтобы оставаться в топе, мангаки4 продолжают использовать те же темы и образы и придерживаются хорошо продуманной структуры, которая с большей вероятностью понравится их основной целевой аудитории — молодым юношам. Исследователь пишет, что эта система является ключом к успеху публикации, но препятствует творческим экспериментам.

Магическая битва: новое слово в жанре сёнэн

В чем же заключается особенность сёнэна нового поколения? В начале «Магическая битва» следует законам жанра. Главный герой — Итадори Юдзи — обладает невероятной для его возраста физической силой. Однажды он встречает мага по имени Мэгуми Фушигуро, который ищет некий проклятый предмет. После этого знакомства герои попадают в передрягу, в результате которой Юдзи получает магическую силу. С её помощью парень хочет спасти всех людей от Проклятий — существ, рожденных из негативных эмоций.

Иллюстрация к манге «Магическая битва», на которой изображены главные герои: Фушигуро Мегуми, Итадори Юдзи и Кугисаки Нобара.
Иллюстрация к манге «Магическая битва», на которой изображены главные герои: Фушигуро Мегуми, Итадори Юдзи и Кугисаки Нобара.

Особенностью сёнэна нового поколения, по мнению критика Анны Диас, является то, что Юдзи, в отличие от главных героев старых сёнэнов, не способен спасти всех тех, кого любит, из-за чего страдает. Несколько раз на протяжении произведения на его руках умирают близкие люди. Обычно в сёнэн-мангах герои становятся сильнее, преодолевая внешние трудности во время испытаний. Однако «Магическая битва» заставляет Юдзи противостоять своему бессилию, когда он терпит неудачи.

Также сёнэн меняет отношение к негативным эмоциям. Маги в этой манге пользуются проклятой энергией, которая зависит от гнева, печали и ненависти. Если раньше в сёнэнах отрицательные эмоции плохо влияли на героев, то в Магической битве они используются как то, что развивает положительных персонажей и их силу.

Главный герой Итадори Юдзи использует проклятую энергию: кадр из 1 сезона «Магической битвы», 2020
Главный герой Итадори Юдзи использует проклятую энергию: кадр из 1 сезона «Магической битвы», 2020
Эволюция женских образов

В сёнэне нового поколения меняется отношение к женщинам. До «Jujutsu Kaisen» оно было достаточно сексистским, девушек изображали слабыми, делали акцент на внешности и фигуре. Если же героини обладали суперспособностью, то она была типично «женской». Например, в популярном аниме «Hunter x Hunter» у девушки Бискет Крюгер главная суперспособность — умение делать массаж, благодаря которому человек может отдохнуть за 30 минут как за 8 часов. Шизуко, еще один женский персонаж, призывает Пылесос, способный засосать любое количество неживых предметов.

Шизуко и её Пылесос: кадр из аниме «Hunter x Hunter», 1999
Шизуко и её Пылесос: кадр из аниме «Hunter x Hunter», 1999

Магическая битва становится полной противоположностью. Так, у героини Кугисаки Нобары главная способность — забивать во врагов гвозди, пропитанные её проклятой энергией. Эта девушка сражается наравне с главным героем и играет ключевую роль в истории. Еще одна героиня — Маки Зенен — не владеет проклятой энергией, из-за чего от неё отказывается семья. Однако она учится пользоваться проклятыми оружиями. Благодаря собственному труду девушка получает возможность сражаться на одном уровне с мужчинами. Анна Диас считает, что сёнэн нового поколения не просто избегает гендерные стереотипы, но позволяет девушкам не соглашаться с устоями и бороться за свою точку зрения и своё место.

Кугисаки Нобара и Маки Зенен идут после тренировки: кадр из 1 сезона «Магической битвы», 2020
Кугисаки Нобара и Маки Зенен идут после тренировки: кадр из 1 сезона «Магической битвы», 2020

Недавно на фестивале аниме и манги Jump Festa ’22 было объявлено, что по «Магической битве» сделают театральную постановку. 24 декабря состоится мировая премьера полнометражного аниме-приквела5 «Jujutsu Kaisen 0».

Комедия дель арте: как итальянские маски получили воплощение в видеоигре

Комедия дель арте: как итальянские маски получили воплощение в видеоигре

Самой популярной компьютерной игрой в 2020-м году по версии Google Play и Apple стала игра Genshin Impact, также она была номинантом в категориях «Лучшая ролевая игра» и «Лучшая мобильная игра» на The Game Awards 2020. Ее ключевой особенностью стало использование архетипов из комедии дель арте в качестве главных героев. О масках итальянского театра, а также их новых воплощениях в компьютерной игре рассказываем в нашем новом материале.

История появления театра масок

Комедия дель арте зародилась в Италии в XVI веке. Пьесы этого театра исполняли странствующие по городам актеры, действия происходили под открытым небом. Заранее подготовленного текста для постановок не было, артисты в основном импровизировали, сочиняя реплики на ходу. Чаще всего они обыгрывали такие «вечные» проблемы, как взаимоотношения отцов и детей и несчастная любовь. Помогали в этом маски, каждая из которых обозначала персонажа с устоявшимися чертами характера, которые были знакомы публике всех провинций.

Сцена из комедии дель арте. Микеланджело Черкоцци.
Сцена из комедии дель арте. Микеланджело Черкоцци.
Влюблённые из труппы Джелози
Влюблённые из труппы Джелози

В центре сюжета была история молодых любовников. Их счастью мешали родители или супруг одного из героев. Помогали влюбленным дзанни1: они придумывали хитроумный план и с помощью разных уловок исполняли его. В перерывах между сценами актеры показывали подготовленные заранее лацци2, которые никак не влияли на сюжет комедии, но зато смешили и развлекали зрителей.

Согласно исследованию доктора культурологии Натальи Кирилловой, изначально маски были просто карикатурными персонажами, но позже, когда они начали внедряться в постановки по всей Европе, они стали архетипами и перешли из итальянского театра в мировую культуру. После появления кинематографа эти архетипы стали частью поп-культуры. «В информационную эпоху маска является составной частью медийной культуры» — делает вывод Наталья.

Маски и Genshin Impact

Действие Genshin Impact происходит в фэнтезийном мире Тейват. В нем существует семь различных народов, каждый из которых связан с отдельной стихией. Снежная — одно из семи королевств, ее жители поклоняются одиннадцати предвестникам Фатуи — высшему командному эшелону, члены которого имеют имена и черты характера, заимствованные из итальянского театра.

Одной из центральных масок комедии дель арте является Тарталья. Он всегда одет в должностной костюм, на лысой голове располагается шляпа. Его фирменный трюк — это борьба с заиканием, в результате чего серьёзный монолог, например, на суде, превращается в комический. Тарталья в игре не заикается, но часто превращает трудные для него ситуации (например, потерю драгоценного артефакта) в шутку. Он молод, у него нет лысины, но как и его прототип, герой одет в костюм, состоящий из брюк и пиджака. Также он носит маску, правда сдвинув её на левую сторону головы.

Тарталья в Genshin Impact. Красная маска на его голове отсылает к комедии дель арте
Тарталья в Genshin Impact. Красная маска на его голове отсылает к комедии дель арте

Панталоне — еще один основной персонаж итальянского театра — в комедии является центром интриги. Он похотлив, безнравственен, разговаривает резким, пронзительным, «стариковским» голосом. Жадность и любовь к деньгам роднят обоих Панталоне — в Genshin Impact герой отвечает за экономическую политику Снежной. Также он постоянно строит заговоры: во время одной миссии он поручил помощнику разрушить винное предприятие своего врага.

Скарамучча в дель арте — тип хвастливого вояки. Он любит браниться, но как только дело доходит до драки, он трусливо сбегает, а если не успевает, его бьют. В игре шестой предвестника Фатуи также хвастлив, он придумывает коварные планы и вместо того, чтобы сражаться самому, чаще всего использует своих подчиненных. Как и итальянский прототип, герой носит шляпу, но выполнена она в восточном стиле.

Скарамучча из Genshin Impact и его прототип из комедии дель арте
Скарамучча из Genshin Impact и его прототип из комедии дель арте

Что касается женских персонажей, то из итальянской комедии разработчики взяли маску Синьоры, жены Панталоне. Она, как и ее игровая копия, красива, расчетлива, носит пышные платья и дорогие украшения. Обе героини стремятся всегда получать то, что хотят, четко продумывают свои планы, чтобы добиться желаемого. Однако в игре девушку сделали более живой: как отмечается в диалогах персонажей, «душа Синьоры незапятнанная, но ее тело наполнено страданиями, она вынуждена скрывать свои внутренние чувства и боль за толстым слоем льда».

Синьора из видеоигры и ее прототип из комедии масок
Синьора из видеоигры и ее прототип из комедии масок

Не все одиннадцать предвестников Фатуи появились в игре, часть персонажей находится на стадии разработки. Но фанаты уверены, что как уже известные герои, новые получат черты масок из комедии дель арте.

Нарисованные персонажи становятся реальными: как из манги делают театральные постановки

Нарисованные персонажи становятся реальными: как из манги делают театральные постановки

В феврале 2022 года для фанатов культового режиссёра-аниматора Хаяо Миядзаки произойдет знаковое событие — у оскароносного аниме «Унесенные призраками» появится первая адаптация на сцене. За постановку, премьера которой пройдет в Императорском театре в Токио, отвечает лауреат премии «Тони» и почетный заместитель директора Королевской шекспировской труппы Джон Кэрд. В игровом кино и видеоиграх сюжеты из манги1 и аниме воплощались уже не раз. В театр же японские комиксы начали пробираться совсем недавно. О пьесах и мюзиклах, основанных на манге, расскажем в нашем новом материале.

Фрагмент из аниме «Унесенные призраками» режиссера-аниматора Хаяо Миядзаки
Фрагмент из аниме «Унесенные призраками» режиссера-аниматора Хаяо Миядзаки
Феномен аниме и манги в театре

В 2019 году было проведено исследование мирового потребления аниме-контента, согласно которому индустрия манги и аниме входит в поп-культуру и имеет общие интеллектуальные права, финансы и целевую аудиторию. Театр же никогда нельзя было назвать поп-культурным явлением, и его целевая аудитория редко пересекалась с аудиторией манги, однако, согласно исследованию Армандо Ротонди, когда аниме и японские комиксы проникают на сцену театра, любая постановка получает внимание огромного количества зрителей. «В этом случае театральное шоу перестает быть уникальной постановкой, а становится частью более сложной вселенной с сиквелами и приквелами, частью франшизы» — пишет ученый. Внедрение манги и аниме в театр происходит потому, что в Японии процветает культура отаку (проще говоря — фанатов). В 2013 году японское исследование с участием 137 тысяч человек показало, что 42.2% людей причисляют себя к отаку. Каждый фанат мечтает увидеть любимого героя вживую, поэтому постановки по аниме и манге становятся популярными.

История будущего хокаге на сцене
Справа: фрагмент из аниме «Наруто», слева: промо-фото для «Живого спектакля Наруто»
Справа: фрагмент из аниме «Наруто», слева: промо-фото для «Живого спектакля Наруто»

Историю «Наруто» знают не только в Японии, но и в других странах мира. Эта работа Масаси Кисимото вошла в десятку лучших манг всех времен по версии японского телеканала TV Asahi, а ее экранизацию называют главным аниме-сериалом про ниндзя.

«Живой спектакль Наруто». Официальный постер
«Живой спектакль Наруто». Официальный постер

«Живой спектакль Наруто» был впервые показан в 2015 году на сцене Токийского театра «AiiA» и охватил историю первых 27 томов манги. В пьесе рассказывается о начале пути непоседливого мальчика-ниндзя, внутри которого запечатан девятихвостый лис-демон. Это существо когда-то чуть не уничтожило родную деревню Наруто — Коноху. Спасителем поселения стал отец мальчика, который пожертвовал своей жизнью, чтобы запечатать внутри своего сына демона. Отец Наруто думал, что его ребенок станет всеобщим любимцем, так как сдерживает в себе лиса ради спасения людей, но жители деревни возненавидели Наруто, считая его злом во плоти. Узнав в подростковом возрасте причину плохого отношения к себе, Наруто задается целью добиться уважения окружающих и стать Хокагэ — главой своего селения и сильнейшим ниндзя. Но чтобы добиться успеха, мальчику нужно пройти множество испытаний, с которыми он справляется на протяжении постановки. Пьеса была написана и срежиссирована Акико Кодамой и стала частью «Naruto Project».

«Тетрадь смерти» в песнях

Не менее популярной в Японии и других странах мира является манга «Тетрадь смерти». В России она даже привлекла внимание правоохранительных органов и 20 января 2021 года суд запретил аниме по этой манге из-за сцен жестокости и насилия, смерти, нетрадиционных сексуальных отношений.

Манга рассказывает историю японского ученика-отличника Лайта Ягами. По воле случая (или бога смерти Рюка?) к Лайту в руки попадает Тетрадь смерти — магическое оружие для убийства, она приводит к смерти любого, чье имя написано на ее страницах. Долго не думая, Лайт решает изменить мир и взять правосудие в свои руки — он начинает записывать имена всех преступников, которые слышит в ежедневном выпуске новостей по телевизору. Вот только подозрительно частые смерти опасных преступников заставляют полицию задуматься о серийном убийце и начать разбираться в этом деле.

Официальная постер мюзикла «Тетрадь смерти»
Официальная постер мюзикла «Тетрадь смерти»

История подростка с обостренным чувством справедливости стала отличным музыкальным театральным материалом, поэтому в 2015 году, через десять лет после выпуска первого тома, «Тетрадь смерти» стала музыкальной постановкой. Партитура была написана Фрэнком Уайлдхорном, известным американским композитором, создавшим партитуры для мюзиклов «Дракула», а также «Скарлет Пимпернел» и «Джекил и Хайд». Некоторые сцены насилия и убийств были убраны, однако, например, самоубийство одного из героев было показано без изменений. 17 апреля 2021 года в России в концертном зале «Мир» состоялась премьера мюзикла и прошла она в сопровождении живого оркестра. Режиссером-постановщиком выступил Антон Преснов, концерт был включен в программу «Год японо-российских межрегиональных и побратимских обменов».

Фото с премьеры мюзикла «Тетрадь смерти» в России
Фото с премьеры мюзикла «Тетрадь смерти» в России
Художники, нарисовавшие русский балет

Первые художники «Русских сезонов»

До 1906 года европейская интеллигенция интересовалась произведениями Толстого, Достоевского и других писателей, но мало что знала о русской живописи. Положение изменил Сергей Дягилев, который организовал в Париже выставку «Два века русской живописи и скульптуры». Однако он мечтал прославить именно русские балет и оперу, поэтому уже в 1907 году выбрал для нового показа в Париже серию из пяти «Исторических русских концертов». Чтобы впечатлить искушенного зрителя нужны не только талантливые хореографы и артисты, но и запоминающиеся декорации и костюмы. По этой причине импресарио1 решил привлечь к работе знаменитых художников того времени. О людях, которые приложили свою руку к декорированию первых «Русских сезонов»2, а также об их работах — рассказываем в нашем новом материале.

Танцор Николай Кремнев, художник Александр Бенуа, танцоры Сергей Григорьев и Тамара Карсавина, Сергей Дягилев, танцоры Вацлав Нижинский и Серж Лифарь на сцене Grand Opera в Париже
Танцор Николай Кремнев, художник Александр Бенуа, танцоры Сергей Григорьев и Тамара Карсавина, Сергей Дягилев, танцоры Вацлав Нижинский и Серж Лифарь на сцене Grand Opera в Париже
Гобелен для «Павильона Армиды»

Известный столичный живописец и оформитель книг, близкий друг Дягилева и основатель кружка «Мир Искусства» — Александр Бенуа по праву стал тем, кто начал создавать декорации и костюмы для первых «сезонов». Оформляя балет «Павильон Армиды», Бенуа создал выцветший гобелен на античный сюжет с изображением главной героини в роли царицы Омфалы3. В спектакле гобелен играл ключевую роль, так как периодически изображение на нём «оживало» и на сцене появлялась маркиза, которую изначально зрители видели на декорациях.

Бенуа А.Н. Эскиз гобелена к балету «Павильон Армиды»
Бенуа А.Н. Эскиз гобелена к балету «Павильон Армиды»

Для всей труппы Бенуа создал костюмы, соответствующие стилю 17 века, но платья для балерин укоротил до колена, чтобы было удобнее танцевать, а также украсил двойную юбку кружевами и лентами.

Шахерезада и Сильфида

Поработал над «Русскими сезонами» и Валентин Серов. Он расписал занавес к балету «Шахерезада». Серов проделал большую исследовательскую работу: изучил восточные миниатюры в доступных ему художественных собраниях, а затем вместе с помощниками создавал полотно по 12 часов в день. Для работы было арендовано помещение, которое раньше относилось к парижской церкви при соборе Сакре-Кер.

Валентин Серов. Афиша к Дягилевским сезонам. 1909
Валентин Серов. Афиша к Дягилевским сезонам. 1909

Также художник создал афишу для балета «Сильфида», на которой изобразил Анну Павлову — одну из самых известных русских балерин. Она исполняла главную роль. Зрители были поражены красотой афиши. «Портрет Павловой работы Серова вызвал больше откликов в печати, чем сама Павлова», — отмечал артист балета Лаврентий Новиков.

Влияние на моду и критика прессы

В 1909 году к «Русским сезонам» присоединился Лев Бакст. Художнику было поручено оформить декорации к балету Фокина «Клеопатра». Вместо картонных пирамид, сфинксов и бумажных цветков лотоса на пачках, которые были так типичны для изображения Египта на сцене, художник создал огромные колонны храма, а на заднем плане голубую лагуну неба. Ида Рубинштейн, исполняющая роль Клеопатры, представала перед зрителями почти обнаженная, её тело было слегка прикрыто воздушными прозрачными одеяниями, которые напоминали калазирис4. Итог впечатлил зрителей, один из критиков написал: «Париж был подлинно пьян Бакстом». После показов француженки начали внедрять в свои наряды лёгкие тюлевые ткани, а также краситься тёмной пудрой, чтобы казаться смуглее. «Парижанки так уж созданы, что всё их поражающее на сцене находит живой отклик в моде», — говорил Бакст.

Ида Рубинштейн в балете «Клеопатра»
Ида Рубинштейн в балете «Клеопатра»

В маленьком спектакле «Послеполуденный отдых фавна», который длился восемь минут, Бакст нарядил нимф в длинные хитоны5, а вот костюм главного героя сделал гораздо более эпатажным. На Вацлаве Нижинском, исполняющем роль фавна, было пятнистое трико, к которому прикрепили хвост. Всё это выглядело так, будто тело артиста расписали краской. Важную роль сыграл и чувственный танец, поэтому спектакль смог поразить парижан до глубины души. Балет был показан 29 мая 1912 года, а уже на следующий день редактор газеты «Фигаро» Гастон Кальмет убрал из выпуска комментарий штатного критика и написал свой: «Мы получили неподобающего фавна с отвратительными движениями эротической животности и с крайне бесстыдными жестами. Вот и всё». А известный скульптор Огюст Роден, наоборот, восхищался постановкой и телом Нижинского. Пресса подогревала интерес к балету, публикуя разные мнения критиков и искусствоведов. В результате каждый любитель театра хотел увидеть фавна своими глазами и узнать, прекрасен он или ужасен.

На фотомонтаже слева направо: фото Вацлава Нижинского в балете «Послеполуденный отдых фавна» и эскиз костюма к данному балету. Автор эскиза - Л. С. Бакст.
На фотомонтаже слева направо: фото Вацлава Нижинского в балете «Послеполуденный отдых фавна» и эскиз костюма к данному балету. Автор эскиза — Л. С. Бакст.

Зелёные добряки и красные злодеи: особенности грима в индийском театре катакали

Зелёная кожа, золотые брови и красные бороды — всё это можно увидеть в индийской танцевальной драме катакали. Здесь нет гримёров — актеры сами раскрашивают свои лица перед выступлениями. В материале расскажем об особенностях нанесения грима в театре Индии.

Натуральные краски

Краски для грима получают из измельчённых минеральных камней, трав и древесного сока. Например, для белого цвета используется смесь извести и рисовой муки. Зелёный получается путём смешивания манайолы и нилама (синего цвета). В качестве основы — кокосовое масло. А чёрный пигмент получают при сжигании имбиря и шафрана.

Во время подготовки к спектаклю актёры прорисовывают чёрным карандашом контур будущего грима. Затем подчёркивают глаза, придавая им миндалевидную форму благодаря растушёвке пигмента. Для выразительности взгляда артисты также кладут себе под веки измельчённые семена паслёна, которые раздражают глазную оболочку, делая её красной. И только после макияжа глаз они раскрашивают лицо минеральными красками.

Добрые зеленолицые
Добродетельный персонаж театра катакали

Диродатта — так называют благородных и честных персонажей катакали. Ими могут быть боги стихий, благородные цари (Нала и Юдхиштхира) и даже Кришна. Грим добродетельных героев называется паша, что в переводе с хинди означает «зеленый». Его наносят только актёры, играющие мужские роли. Но женских благородных персонажей можно узнать по «нейтральному» жёлтому оттенку кожи.

Лицо положительного героя красят зелёным, так как этот цвет символизирует героизм, преданность и великодушие. Чуть ниже скул рисуют два алых овала, визуально приподнимающих уголки губ, которые подводят ярко-красным. Благодаря такой технике у зрителя создается впечатление, что положительный герой на сцене всегда улыбается.

Иногда такой грим накладывают и неоднозначным персонажам, если они имеют божественное происхождение. Например, лицо самовлюбленного бога Дакша окрашено благородным зелёным цветом, хотя этот герой, согласно священному тексту Бхагаватам, проклинает Шиву.

Злые краснобородые
Злой демон с клыками и золотыми бровями

Отрицательных персонажей называют Тамогуну, что на языке хинди означает «нечестивость». Им присущ грим тади (что в переводе с идища означает «борода»), его ключевая особенность — в витиеватой рисовке красным пигментом. Алый тади носят как грешники, так и демоны-людоеды Ракшасы, которые, согласно «Рамаяне», попадают в мир людей в образе кошек.

Грим тади должен показать разрушительную силу героя. Когда в театре катакали разыгрываются сюжеты из эпоса «Махабхарата», на сцене можно увидеть заклятого врага Кришны — Наракасура. Для этой роли лоб актера окрашивают чёрной пастой, а челюсть — красной. Чёрной тушью аккуратно подводят рот, на щеках прорисовывают белые узоры, а к крыльям носа приклеивают блёстки такого же цвета. Также важной частью грима этого злодея являются клыки из слоновой кости и пышная красная борода.

Женский образ
Женский персонаж театра катакали

Актёр, изображающий богиню Ситу, одну из ключевых фигур индийского эпоса «Рамаяна», выходит на сцену с шафрановым гримом на лице. Жёлто-оранжевый тон кожи, блёстки на щеках и тёмная подводка — составляющие женского грима катакали. Перед выступлением много времени уделяют макияжу глаз: актриса рисует длинные чёрные стрелки, которые начинаются с внутреннего уголка глаза и заканчиваются на уровне скулы. Благодетельных богинь в катакали называют «Минукку». Они одеваются скромно и не носят пышные платья, в отличие от зеленолицых героев. Такие персонажи олицетворяют смирение и духовность. Иногда их лицо и вовсе скрыто от зрителя.

Историк индийского театра и учёная Капила Ватсьяян в книге «Наставление в искусстве театра» отмечает, что цветовая символика индийского грима была разработана еще драматургом Бхарата Муни, который жил в первом тысячелетии до нашей эры. Учёная пишет: «Именно Бхарата наметил довольно обширную цветовую палитру для костюмов, грима, головных уборов и корон. Эти аспекты связывают текст Бхараты и правила композиции в индийской живописи».

Всего в танцевальной драме катакали существует около шестидесяти разновидностей грима. Его накладывают в несколько слоев, следуя четкой цветовой символике: так, зелёный — это цвет добра, а красный и чёрный — зла.

Гвоздь к успеху: театральные приметы и суеверия

На сцену ступать с правой ноги, в гримёрку — с левой, и «ни пуха, ни пера» вместо «удачи». Театральные работники верят в особые приметы, которые помогают им лучше выступать. В статье расскажем подробнее о самых интересных.

Сцена
Оперная певица Галина Вишнёвская здоровается со зрителями и сценой
Оперная певица Галина Вишнёвская здоровается со зрителями и сценой

От разговоров со сценой до найденного гвоздя — с подмостками связано большое количество суеверий. Например, оперная певица Галина Вишнёвская всегда приветствовала сцену и желала ей здоровья. 

Уронил листы с текстом пьесы — как можно скорее садись на них! Это одно из самых популярных поверий. Если этого не сделать, то наказания не избежать: спектакля ждёт провал, а актёра — неудача. Так делает режиссёр Марк Захаров: «Я не суеверный человек, но в эту примету верю. Если текст пьесы падает, я всегда на него сажусь. Не могу ничего с собой поделать». А артист ТЮЗа1 Руслан Духницкий рассказывал, как несколько раз листы падали под кресла зрительного зала — в эти моменты прекращалась репетиция, чтобы посмотреть, как актёр будет лезть под стулья.

Лучшая примета — найти на сцене старый ржавый гвоздь. Это означает, что в скором времени актёру предложат роль. Некоторые забирают находку с собой в надежде, что всегда будут востребованы. Также громкий успех ждёт артиста, если его обувь скрипит при выходе на подмостки.

Закулисье

Много времени актёры проводят в гримёрке, поэтому здесь тоже действуют свои приметы. К примеру, в театрах нет личной комнаты артиста под номером 13 — дело в нечистых силах, связанных с числом. 

Заходить в гримёрную необходимо с левой ноги, а на дверь нельзя клеить фотографии и вешать фотографии — они забирают удачу. Актёры также верят, что если уронить и рассыпать грим, то во избежание беды нужно незаметно насыпать щепотку

Актёр свистит
Актёр свистит

порошка за воротник режиссёру. 

«Семечки грызёшь, зрителей повыщёлкиваешь!» — за театральной сценой запрещено есть семечки. Но полакомиться козинаком перед выходом — значит привлечь благодарный зрительский зал.

Свист тоже под запретом. В конце XVlll века в театрах использовали газовое оборудование для освещения, которое издавало звук, напоминающий свист, когда кислород выжигался. Тогда и зародилось это суеверие. В то время свист был сигналом возможного скорого взрыва и пожара. И сейчас, несмотря на современное безопасное оборудование, тревожные ассоциации преследуют актёров. Театрального работника, который свистнул за сценой, можно ударить, чтобы избежать несчастного случая.

Декорации

Существуют суеверия, связанные и с декорациями. Украшение зала живыми цветами может привести спектакль к провалу. Сцена не любит никакую растительность. Те, кто верят, никогда не берут подаренные букеты от зрителей, их забирают специальные работники.

Сцена, украшенная цветами
Сцена, украшенная цветами

То же самое касается трёх зажжённых свечей. Существует поверье, что тот, кто задует самую короткую из них, в скором времени умрёт. Чтобы избежать несчастного случая, в театрах при необходимости используют либо две, либо четыре свечи.

Ещё одно распространённое суеверие: на сцене не должно быть зеркал. В них отражается душа, а во время спектакля очень легко можно разбить зеркало: тогда актёра ожидает семь лет несчастий. К тому же, в зеркалах отражается свет, из-за чего могут возникать технические трудности. Это отвлекает и артистов, и зрителей.

«Тише воды, ниже травы»: профессия суфлёра в театрах России

В XIX веке профессия суфлёра1 была необходима, но сейчас сохранилась только в трёх русских театрах: МХТ имени Чехова, Большой и Малый театры. Отличная память, поставленный голос и умение быстро реагировать — основное, чем должен обладать суфлёр.  «Подсказчику» нужно присутствовать на всех репетициях и отмечать паузы в тексте, чтобы на самом выступлении определить, специально ли актёр замолчал или он забыл слова. Разбираться в особенностях перемещения выступающих на сцене, заучивать монологи, быть сосредоточенным и внимательным — всё это лежит на плечах суфлёра.

«Три четверти суфлёров кончают чахоткой»

Зрители не должны догадываться, что кто-то подсказывает актёрам во время выступления. Для этого на сцене находится специальная суфлёрская будка — ниша, чаще всего в форме морской раковины, которая закрывает суфлёра от зрителей.

Суфлёрская будка в форме морской ракушки
Суфлёрская будка в форме морской ракушки

Будка обита войлоком2, не пропускающим звуки в зал — со временем там накапливается пыль. Пыль попадает даже в рот к суфлёру. Его ноги постоянно находятся среди подвального холода и плесени, а тело выше пояса — в невыносимой духоте из-за софитов и прожекторов, направленных в сторону будки. Несмотря на пыль и перепады температуры, «подсказчик» должен быть сосредоточен на тексте спектакля и быть готовым в нужный момент подсказать сжатым и напряженным голосом так, чтобы услышали только актёры.

По словам Константина Станиславского3, три суфлёра из четырех умирают от чахотки4. «Все это знают, и никто не пытается изобрести более или менее приличную суфлёрскую будку», — писал режиссёр в своей книге «Моя жизнь в искусстве».

 «Дарьяльское ущелье»
Суфлёр Малого театра в XX веке
Суфлёр Малого театра в XX веке

Чаще всего суфлёрами становились актёры, которые по каким-то причинам не могли больше выступать на сцене. Но это не относится к Иосифу Дарьяльскому — человеку, достигшего успеха в этой профессии. Его называли суфлёром-художником, а будку, в которой он находился, — «дарьяльским ущельем». Он делал в ней всё: работал, пил чай и даже брился.

Семья Иосифа Ивановича была бедной, и он брался за любую возможность, чтобы зарабатывать деньги на жизнь. Так он пришёл в профессию суфлёра, которую через некоторое время полюбил. Всего проработал в Малом театре 50 лет.

Дарьяльский подробно рассказывает об интересных ситуациях во время выступлений в книге «Театральная площадь» 1981 г. Александра Свободина. «Случается, что актеры по необъяснимым причинам забывают на каждом спектакле одно и то же слово. У медиков это называется явлением выпадения». В 1915 году Александр Остужев постоянно забывал слово «лекарство». Подсказывать из будки было бесполезно, так как актёр находился далеко и не слышал подсказки. Иосиф Дарьяльский нашёл необычное решение: купил в аптеке «бутылочку с большущим рецептом» и, когда Александр Алексеевич снова замолчал, суфлёр вытащил из ямы руку с лекарством. Тот сразу вспомнил забытое слово, и больше никогда не забывал.

«Каждое слово, умоляю!»

День премьеры, раздаётся первый звонок. Главный герой спектакля подходит к суфлёру, утверждая, что он готов и ему подсказывать не надо. Второй звонок — тот же актёр подбегает и говорит: «Знаешь, всё-таки посматривай за мной». После третьего звонка уже кричит в панике: «Каждое слово, умоляю!».

Это любимый анекдот Ларисы Андреевой — современного суфлёра Малого театра. Лариса Венедиктовна работает в профессии уже более 15 лет. По причине аллергии на пыль она подсказывает артистам из-за кулис, за что её прозвали «закулисным шептуном». Актёры знают, что за сценой сидит человек, который обязательно выручит их в необходимый момент — это прибавляет уверенности. 

К своему делу Лариса Андреева относится как к призванию, хоть и уверена, что профессия «не просто умирающая — она уже мертва».

Лариса Андреева сидит за кулисами и наблюдает за спектаклем
Лариса Андреева сидит за кулисами и наблюдает за спектаклем

«На лице написано»: традиционный грим в разных театрах мира и его особенности

Выразительный грим позволяет зрителям узнать возраст, черты характера и даже жизненную историю героя на сцене. Настроение, эмоции, социальное положение — всё это «написано» на лице актера. Чаще всего макияж настолько яркий, что даже с галерки можно разобрать выражение лиц героев. В статье расскажем о разных традициях грима в театрах мира.

Япония: грим как маска
Метод гримирования кумадори в японском театре кабуки
Метод гримирования кумадори в японском театре кабуки

Сложный разноцветный грим актёров — особенность японского театра кабуки. Гримеры используют технику кумадори1. С помощью рисовой муки, белил и ярких пигментов они рисуют на лице актеров подобие маски. Такой грим накладывается в несколько слоев, поэтому подготовка артиста к спектаклю занимает до трех часов.

Для кумадори характерен цветовой символизм. Например, за молодость отвечает белый цвет. А чем темнее лицо героя, тем он старше. Полосы на щеках и на лбу указывают на мужественность. Их цвет имеет большое значение: красный — смелость и преданность, черный — потусторонность, синий — зло и хладнокровие. Иногда грим меняется по ходу пьесы. Артист может нанести кумадори незаметно для зрителя во время представления, чтобы подчеркнуть смену эмоций.

В классическом театре кабуки все актеры — мужчины. Артистов, играющих женщин, называются оннагати. Зрителю бывает трудно представить, что милая девушка на сцене на самом деле парень. Весь секрет в искусной работе гримера: исполнителям онногати подтягивают кожу в уголках глаз, чтобы их черты лица были тоньше. Такая техника называется мэцури. Далее им наносят белила на все видимые части тела: шею, руки и ноги. А затем красят губы. Румянами мажут даже язык, если предполагается, что актер покажет его зрителям во время экспрессивного монолога.

Индия: сами себе гримёры
Актёр индийского театра Катакали наносит грим на своё лицо
Актёр индийского театра катакали наносит грим на своё лицо

Особенность наложения грима в южноиндийском театре катакали в том, что актёры почти всегда рисуют персонажей на своих лицах без помощи гримеров. Они используют краски из натуральных ингредиентов: кокосового масла, древесного сока и белой пасты из рисовой муки.

А для большей выразительности взгляда под веки кладут семена ядовитого паслёна2, которые раздражают глазную оболочку. Так белки становятся красными.

Определить характер героя можно по цвету его лица: зелёный — у положительных персонажей, чёрный или красный — у отрицательных. Жёлтый цвет грима означает, что перед зрителями женщина. А лицо добродетельных богинь и вовсе скрыто под покрывалом.

Китай: всё наоборот
Лукавый персонаж китайского театра
Лукавый персонаж китайского театра

В театре Китая цветовая символика грима отличается от японской и индийской.

Белый цвет — это не про молодость и добродушие, а про зло и коварство. В Китае считается, что жестокость творится хладнокровно и без эмоций. Человек порядочный и честный краснеет, произнося лживые обещания, поэтому лицо такого персонажа раскрашено алыми румянами. Зелёный — цвет, означающий жизнь в лесу, разбойничество и упорство. А чёрный подчеркивает справедливость и мудрость героя.

Усы и борода — важный элемент у мужских персонажей в китайском театре и опере. У молодого героя волосы чёрные, у зрелого они серые, а у пожилого — седые.

Россия: свинцовые белила и каучуковый латекс

Русский театр отличается от предыдущих. Здесь не работает принцип грима как маски и цветовой символики. Но так было не всегда: три столетия назад и у нас ценился яркий грим. Например, в 18-м веке лица актёров красили ядовитыми свинцовыми белилами, а с помощью сульфида ртути рисовали румяные щеки.

В русском театре грим — это тот же волшебный инструмент, способный как состарить, так и омолодить актера. Сделать его лицо более выразительным, сердитым или добрым.

Советская актриса Алиса Коонен, например, так отзывалась о работе гримера в спектакле «Фамира Кифарэд»3: «Пришла в голову мысль, сделать грим графическим. Подчеркивались только глаза и брови, тон лица оставался естественный, свой. Так как тела актеров были сильно обнажены, возникла еще одна мысль — подчеркнуть рельеф мышц тонкими растушеванными линиями. Рисованных линий из зала, конечно, не было видно, но тела укрупнились, казались особенно сильными…»

Полностью изменить лицо героя для некоторых ролей помогает каучуковый латекс. С его помощью можно состарить кожу, создать новый нос или лысину.

Создание грима с помощью растушёвки в российском театре
Создание грима с помощью растушёвки в русском театре

В театрах разных стран грим играет одну из главных ролей в создании сценических образов. В Азии широко распространена цветовая символика грима, а в России — натуральность.